Alfredo Navarro ha sabido construir su camino con una mirada propia. Como director, guionista y montador, ha trabajado en cine, documentales, videoclips, publicidad y televisión, sin renunciar nunca a una identidad artística personal. Su enfoque combina el rigor técnico con una sensibilidad especial hacia lo humano, lo cotidiano y lo narrativamente poderoso.

Desde su productora Eigakan Films SLU, Alfredo impulsa proyectos que mezclan lo autoral con lo accesible, lo íntimo con lo social. Esta plataforma le ha permitido colaborar con diferentes productoras y mantener el control creativo de sus obras, manteniéndose fiel a una visión del cine como expresión auténtica.

Uno de los hitos más destacados de su carrera fue el documental Sueños de sal, con el que obtuvo el Premio Goya al Mejor Documental. Un reconocimiento que, lejos de marcar un punto de llegada, ha sido un impulso más en su camino de exploración artística.

La conversación con Alfredo, disponible en nuestro canal de YouTube, es una invitación para todos los alumnos y alumnas de cine a reflexionar sobre qué significa realmente dedicarse a crear. Su trayectoria demuestra que no hay fórmulas mágicas, pero sí una combinación de trabajo constante, visión y amor por contar historias.

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Dentro del mundo de la interpretación existen numerosos métodos para entrenar la verdad escénica, pero pocos han impactado tanto a generaciones de actores como la Técnica Meisner. Creada por Sanford Meisner, esta metodología se ha convertido en una de las herramientas más potentes para quienes buscan actuar desde lo auténtico y no desde la construcción intelectual de una emoción.

Meisner lo resumía en una frase que hoy es casi un mantra en la interpretación contemporánea:
“Actuar es vivir de verdad en circunstancias imaginarias.”

Un enfoque que prioriza la verdad del momento

A diferencia de otros métodos que ponen el foco en la memoria emocional, el análisis interno o la reconstrucción psicológica del personaje, la Técnica Meisner invita al intérprete a habitar plenamente el presente. Su práctica se basa en ejercicios de escucha profunda, repetición y conexión genuina con el compañero o compañera de escena.

El objetivo es que el actor o actriz deje de “actuar” y empiece a reaccionar auténticamente, permitiendo que la verdad emerja momento a momento. No se trata de “imaginar qué debería sentir el personaje”, sino de permitir que la emoción real surja a partir de lo que está sucediendo aquí y ahora.

¿Por qué es tan transformadora?

Porque libera.
Porque deshace bloqueos.
Porque quita capas de control, técnica rígida y artificio.
Y porque devuelve a la interpretación algo esencial: la humanidad.

Muchos intérpretes encuentran en Meisner una vía para reconectar con su impulso natural, acceder a la vulnerabilidad y generar una presencia escénica viva, honesta y profundamente conmovedora.

Masterclass de Técnica Meisner con Yoska Lázaro en Alicante Film School

En Alicante Film School creemos en la formación que transforma, que se vive en cuerpo presente y que conecta al intérprete con su verdad creativa. Por eso, nuestra próxima Masterclass está dedicada íntegramente a explorar la Técnica Meisner desde la práctica, la escucha y la autenticidad.

El encuentro estará guiado por Yoska Lázaro, actor, director, dramaturgo, docente e investigador especializado en esta técnica. Es creador y director de La Pieza Meisner, una escuela de formación actoral reconocida por su enfoque riguroso y profundamente humano del método.

Durante la sesión, los participantes podrán experimentar los fundamentos de la técnica, descubrir su poder transformador y comprender cómo aplicar estos principios a su propio proceso interpretativo.

¿Para quién es este encuentro?

Para actores y actrices que quieran llevar su interpretación a un nivel más profundo.
Para quienes buscan herramientas para desbloquearse, soltar el control y trabajar desde la verdad.
Para estudiantes de interpretación que sienten que están “pensando demasiado” la escena.
Y, en general, para cualquier intérprete que desee reconectar con su impulso creativo.

Información DEL CURSO INTENSIVO

Contacto: 634 03 92 52

Precio especial para alumnos: 50 €

Precio general: 65 €

Inscripciones abiertas — plazas limitadas

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El book actoral es mucho más que una simple colección de fotografías: es la carta de presentación de cualquier intérprete ante el mundo audiovisual. En un sector donde la primera impresión cuenta tanto como el talento, contar con un book profesional puede marcar la diferencia entre ser recordado o pasar desapercibido.

Con esa idea nace el Taller Intensivo para Book Actoral de Alicante Film School, una experiencia práctica de cuatro horas diseñada para que actores y actrices comprendan cómo construir una imagen sólida, auténtica y alineada con su perfil interpretativo.

Aprende a sacar el máximo partido a tu book

De la mano del fotógrafo Ade Fotografía, especializada en retrato artístico y fotografía actoral, los participantes aprenderán a preparar y organizar su book de manera estratégica.

Durante el taller se abordarán los elementos esenciales que conforman un book profesional, desde la elección de vestuario hasta la gestión emocional durante la sesión. También se ofrecerán consejos prácticos para aprovechar cada toma y transmitir la esencia del personaje que hay detrás del intérprete.

Además, se revisarán los errores más comunes que suelen cometer los actores en sus sesiones fotográficas, y cómo evitarlos para lograr resultados que realmente comuniquen profesionalidad y personalidad.

El taller combina una parte teórica, donde se explican los fundamentos de la fotografía actoral, con una parte práctica en la que cada participante tendrá la oportunidad de ponerse frente a la cámara y aplicar lo aprendido en tiempo real.

Y como resultado tangible, los asistentes se llevarán las tres fotos principales de su nuevo book, realizadas durante la sesión, con la guía directa de una fotógrafa profesional.

Detalles del taller

• Lugar: Alicante Film School
• Fecha: Miércoles 29 de octubre
• Horario: de 10:00 a 14:00
• Duración: 4 horas (teoría + práctica)
• 70 € para público general
• 50 € para alumnos de Alicante Film School

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Vemos armas inertes, pistolas y fusiles eléctricos y de muelle (Glock 17, HK USP Compact, G36, M4A1), y repasamos buenas prácticas de seguridad, el papel del armero y qué efectos se añaden en postproducción (tracking, fogonazo, sonido) para lograr máximo realismo con mínimo riesgo.

El contenido es divulgativo y formativo. No intentes reproducir nada sin armero cualificado, protocolos de seguridad y permisos correspondientes. La prioridad es siempre la seguridad del equipo y del elenco.

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El sábado 27 tenemos una masterclass muy potente en Alicante Film School: Manejo de armas de fuego en ficción.

Viene a darla Alex Cardoso (instructor de armamento y tiro y agente del Servicio de Vigilancia Aduanera, especialidad marítima).

Veremos armas, pistolas y fusiles eléctricos y de muelle (Glock 17, HK USP Compact, G36, M4A1), y aprenderemos cómo rodar con ellas de forma realista.

Va a ser una masterclass divertida y de mucho valor para el aprendizaje.

Será el sábado 27 y tenemos dos horarios, porque el grupo de la tarde está casi lleno, así que hemos lanzado otro de mañana que se está llenando ya.

El precio regular es de 75 euros, pero si ya eres parte de Alicante Film School el coste es de 50 euros.

Escríbenos por WhatsApp para confirmar plaza.

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Un entrenamiento vocal correcto permite alcanzar una proyección clara y una dicción precisa. Al mismo tiempo, otorga mayor resistencia en rodajes y funciones de teatro, reduciendo la fatiga y manteniendo la calidad de la interpretación a lo largo del tiempo. Con una voz bien entrenada, el actor o actriz transmite verdad en cada toma, consigue matices más sutiles y se asegura de que el mensaje llegue de forma directa al espectador.

Para que los beneficios de la voz sean evidentes, no basta con tener talento natural. Es necesario incorporar una rutina que consolide hábitos saludables y eficaces. La respiración costodiafragmática, el trabajo con resonadores, la articulación consciente de labios y lengua o la mejora de la dicción son pilares fundamentales de ese entrenamiento. Estos ejercicios no solo corrigen problemas técnicos, también ayudan a descubrir nuevas posibilidades expresivas que enriquecen cualquier actuación.

Aplicar la técnica frente a cámara

En clase, el trabajo vocal no se limita a la teoría. Se aplica de manera práctica frente a cámara, donde la exigencia es mayor y cada detalle cuenta. Aprender a controlar la respiración en escenas intensas, sostener la energía durante un diálogo largo o proyectar con naturalidad en un plano cercano son habilidades que marcan la diferencia entre una interpretación correcta y una memorable.

La voz no debe subestimarse. Es una extensión de tu cuerpo y, al mismo tiempo, una puerta directa hacia la emoción del público. Cuando está entrenada y consciente, multiplica la fuerza de tu interpretación y te da un nivel de profesionalidad que no se consigue de otra manera. Un actor que domina su voz tiene más recursos, más presencia y más verdad en escena.

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Un acting reel no es un simple video con fragmentos de trabajos previos. Debe estar pensado estratégicamente para mostrar variedad y contraste. Lo ideal es que los personajes no se parezcan demasiado entre sí y que reflejen distintos registros, desde lo dramático hasta lo más ligero. La clave está en que, en apenas sesenta segundos, el espectador tenga una visión clara de tu rango interpretativo y de tu capacidad para transformarte frente a la cámara.

Más allá de la cantidad de escenas, lo que realmente importa es la claridad de cada fragmento. Es preferible contar con piezas cortas pero potentes, en las que se vea tu rostro con nitidez y se escuche un audio limpio. No hace falta que sean largas; de hecho, la brevedad juega a tu favor porque concentra la atención en lo esencial: tu presencia y tu talento. El acting reel debe dejar la sensación de que quien lo ve quiere seguir descubriendo más de ti.

Qué hacer si no tienes material grabado

Uno de los mayores miedos de quienes comienzan en el mundo de la actuación es no contar con material suficiente para elaborar un reel. La buena noticia es que no hace falta esperar a tener un historial de proyectos. Los self tapes son una solución práctica y profesional. Grabados en un espacio tranquilo, con un fondo neutro, buena iluminación y un sonido cuidado, pueden convertirse en escenas perfectas para tu acting reel. Lo importante es elegir interpretaciones que no sean parecidas entre sí y que permitan mostrar diferentes facetas de tu capacidad actoral. Con dos o tres self tapes bien preparados puedes empezar a construir una herramienta sólida.

Piensa en tu acting reel como tu currículum en imágenes. Mientras que un documento escrito enumera tu experiencia, este video muestra de manera inmediata lo que eres capaz de transmitir frente a la cámara. Es tu primera oportunidad de impactar, de diferenciarte entre decenas de candidatos y de dejar una huella en la memoria del espectador. En un sector tan competitivo como el de la interpretación, esa primera impresión puede abrirte las puertas de un casting y marcar un antes y un después en tu carrera.

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A diferencia de nuestros TIPS de un minuto, esta nueva serie está pensada para compartir contenidos más extensos y detallados, con un enfoque completamente práctico, donde lo importante no es solo el qué, sino el cómo y el por qué de cada decisión técnica y artística.

Episodio 1: Preparando la cámara para El Meditador

En este primer episodio, acompañamos a nuestro Director de Fotografía mientras configura el equipo que utilizaremos para rodar El meditador, el primer cortometraje de la escuela escrito y dirigido por Alejandro Palacios.

Durante el vídeo verás cómo montamos desde cero una Blackmagic 6K Pro, con todo el rig completo:

Disco externo SSD Samsung T7

Rig SmallRig

Monitor externo Lilliput (1800 nits)

Batería V-Mount

Transmisor inalámbrico Hollyland Mars 400

Follow Focus inalámbrico Cinegears

Set de ópticas Samyang cine (14 mm, 24 mm, 35 mm, 50 mm, 85 mm)

Matte box y accesorios para rodajes en exteriores

Además, comentamos ventajas, trucos y contratiempos reales que surgen en los momentos previos al rodaje. Todo explicado en lenguaje directo, con humor, sin marcas patrocinadoras (por ahora) y con la colaboración del equipo de alumnos que ya forman parte activa de cada proyecto.

Una escuela donde se aprende rodando

Este tipo de prácticas reflejan el modelo de formación que defendemos: aprender cine haciendo cine.

La mejor manera de aprender dirección, cámara, guion o producción es aplicándolo directamente en proyectos reales. Por eso, todos nuestros alumnos participan activamente en cortometrajes, campañas audiovisuales y, al final del curso, en un largometraje colectivo.

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En Alicante Film School creemos que se aprende haciendo. Por eso, nuestros alumnos no solo reciben clases teóricas, sino que se enfrentan a rodajes reales. La presentación es un ejemplo de ello: un proyecto en el que participaron estudiantes de dirección, guion e interpretación, cada uno con responsabilidades claras y objetivos definidos.

El reto era ambicioso: adaptar una localización cultural como el MACA a las necesidades de una historia de tensión y atmósfera. Con una narrativa íntima, centrada en el juego de miradas y silencios, el equipo tuvo que prestar especial atención a la planificación visual, al ritmo de los diálogos y al aprovechamiento del espacio y la luz natural.

Cine hecho por estudiantes, pero con visión profesional

Este proyecto es solo una muestra del enfoque de Alicante Film School: formar cineastas completos, con criterio, con experiencia real y con una mirada propia. Aquí no solo enseñamos cine. Enseñamos a contar historias con intención, técnica y sensibilidad.

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