Alfredo Navarro ha sabido construir su camino con una mirada propia. Como director, guionista y montador, ha trabajado en cine, documentales, videoclips, publicidad y televisión, sin renunciar nunca a una identidad artística personal. Su enfoque combina el rigor técnico con una sensibilidad especial hacia lo humano, lo cotidiano y lo narrativamente poderoso.

Desde su productora Eigakan Films SLU, Alfredo impulsa proyectos que mezclan lo autoral con lo accesible, lo íntimo con lo social. Esta plataforma le ha permitido colaborar con diferentes productoras y mantener el control creativo de sus obras, manteniéndose fiel a una visión del cine como expresión auténtica.

Uno de los hitos más destacados de su carrera fue el documental Sueños de sal, con el que obtuvo el Premio Goya al Mejor Documental. Un reconocimiento que, lejos de marcar un punto de llegada, ha sido un impulso más en su camino de exploración artística.

La conversación con Alfredo, disponible en nuestro canal de YouTube, es una invitación para todos los alumnos y alumnas de cine a reflexionar sobre qué significa realmente dedicarse a crear. Su trayectoria demuestra que no hay fórmulas mágicas, pero sí una combinación de trabajo constante, visión y amor por contar historias.

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La conversación es casi una masterclass para actores, actrices y profesionales del audiovisual que buscan comprender el mundo del casting desde dentro, con una visión humana y respetuosa del proceso.

La filosofía de Esther Cocero: cercanía y respeto

Desde el inicio de la entrevista, Esther deja clara su filosofía: el casting debe ser un proceso cálido y respetuoso con el actor. Su enfoque se aleja del estereotipo del director de casting distante y frío, apostando por un trato más humano:

Su visión no es solo una forma de trabajar, sino una manera de cambiar el sector desde dentro. De hecho, Esther es una de las impulsoras de la APDCE (Asociación Profesional de Directores de Casting de España), que este año celebra sus primeros premios nacionales y busca dar visibilidad y profesionalización a todo el sector.

Uno de los momentos clave de la entrevista es cuando Esther desmonta el mito de los “errores fatales” en un casting. Según ella, lo esencial no es evitar fallos técnicos, sino presentarse con profesionalidad y presencia:

Conocerte a ti mismo: Saber quién eres y qué puedes aportar.

Tener formación y experiencia: No solo práctica, sino también conocimiento técnico.

Escuchar y estar presente: La falta de escucha es uno de los mayores problemas en un casting.

El self tape: ¿enemigo o aliado?

Con la pandemia, los self tapes han ganado terreno y Esther es clara sobre su papel actual: son imprescindibles para un primer filtro, pero no deben reemplazar la calidez del contacto presencial. Su consejo es claro: menos obsesión con la perfección técnica y más foco en transmitir la esencia del actor:

Además, subraya la importancia de combinar los dos formatos, self tape para preselección y callbacks presenciales para dar lo mejor de uno mismo frente al equipo de dirección.

Esther insiste: la herramienta más potente para un director de casting no es la intuición, sino la empatía. Empatizar con los actores, con los directores, con los briefings y con el contexto es lo que permite una selección efectiva y humana.

También defiende que los directores y productores deberían conocer más sobre procesos de casting, porque solo así se pueden evitar desconexiones que afectan al resultado final.

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A lo largo de la entrevista, Álex comparte cómo su falta de medios y su rechazo a depender de otros lo llevaron a explorar caminos alternativos para contar historias: desde usar Sony Vegas como herramienta principal de animación hasta poner todas las voces de sus personajes, componer la música o inspirarse en ideas casi instantáneas, sin apenas guion escrito.

Hablamos de su evolución como creador, de cómo convirtió una limitación técnica en una marca de autor, de su mirada crítica al exceso de virtuosismo visual en la animación contemporánea, y de su visión sobre el futuro del sector frente al auge de la inteligencia artificial. También nos revela los orígenes de algunos de sus trabajos más premiados, como Periquitos o Pobre Marciano, y nos cuenta cómo surgió su primera serie inspirada en la paternidad.

Una charla honesta, divertida y repleta de inspiración para quienes creen que el cine —incluso el animado— empieza con una historia potente, no con una herramienta sofisticada.

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Durante la entrevista, repasamos sus inicios en 2010, cuando rodó su primer corto sin actores ni trípode, y cómo desde entonces no ha dejado de crear. Ha trabajado con intérpretes como Nacho Vigalondo o Miki Molina, ha dirigido videoclips para artistas como Coque Malla y ha sido seleccionado y premiado en numerosos festivales internacionales.

Nos habló también de sus proyectos más recientes, como la serie Ángel y sus musas, sus documentales sobre la cultura alicantina y su constante impulso creativo, que lo ha llevado a rodar películas de forma independiente, a veces incluso en versiones paralelas en valenciano y castellano. Su proyecto 12 meses 12 cortos es una muestra de su capacidad para sostener una producción intensa sin perder frescura narrativa.

Además, Ángel reflexiona sobre el valor del aprendizaje continuo, la importancia de lanzarse incluso sin garantías, y cómo la falta de recursos puede convertirse en una herramienta creativa. Su visión del cine como trabajo colectivo y emocional resonó especialmente entre el alumnado, que encontró en su recorrido una referencia de vocación, esfuerzo y autenticidad.

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Durante la conversación, reflexiona sobre la importancia de la formación continua, mencionando a profesoras como Conchita Molina y Sandra Toral, así como su paso por cursos con John Strasberg. Subraya la necesidad de probar diferentes técnicas actorales hasta encontrar la que mejor se adapta a cada intérprete, destacando su conexión con el método Meisner, centrado en la escucha y el presente escénico.

Sara habla también de la diferencia entre actuar para cine y para televisión, dos lenguajes con tiempos, exigencias y dinámicas distintas. La actriz recalca la importancia de llegar al set preparada, con técnica y entrenamiento, especialmente en televisión, donde a menudo no hay tiempo para ensayar.

Con honestidad, repasa sus experiencias improvisando en rodajes, cómo construye sus personajes desde el guion hasta el detalle físico, y por qué la salud mental y el equilibrio personal son clave para el trabajo actoral. Para Sara, el crecimiento como intérprete no se detiene nunca: observar, aprender y cuidarse son parte del oficio.

Esta entrevista es una valiosa guía para quienes están comenzando su formación en artes escénicas y buscan entender el oficio más allá del brillo superficial.

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